Forum Italicum: A Journal of Italian Studies

Dalle varie riflessioni critiche sul rapporto tra letteratura e giustizia e tra narrazione e legge si può dedurre che alla letteratura venga attribuita la facoltà di “fare giustizia” e alla legge il potenziale di produrre delle storie. Anche se le opinioni divergono sull’effettivo valore trasformativo della letteratura di fronte alla legge, nel panorama italiano sembra prevalere l’idea che la letteratura possa offrire uno strumento conoscitivo per raggiungere una giustizia poetica e fare esperienza della verità. Tale compito etico, che viene attribuito a una narrativa che svolge la funzione di “estetica documentale”, si collega al complicato passaggio dalla Prima alla Seconda Repubblica, riassunto comunemente con la formula di “memoria divisa”. Gli esempi letterari presi in esame dagli anni Sessanta ad oggi, si caratterizzano attraverso le loro ibridizzazioni di genere, le dimensioni transmediali, performative e metanarrative. Da Giuseppe Fava a Gianrico Carofiglio, da Franco Fortini a Giampaolo Pansa, si trasmette il bisogno di una giustizia sociale che si concretizza attraverso un’indagine critica dell’apparato giuridico e attraverso la formulazione di una giustizia metaforica. Anche la raccolta di racconti Giudici e il fumetto Carlo Giuliani. Il ribelle di Genova dimostrano come la letteratura usi la transmedialità e la performatività per coinvolgere il lettore e arrivare a una giustizia che sia anche un “atto culturale”.

In the late 1950s, after a brief career as a lawyer, Giuseppe Fava (Palazzolo Acreide, 1925) became a journalist. The exploitative activities of Cosa Nostra in the tragic aftermath of the Second World War made clear to him Sicilian society’s urgent need for progress towards greater social justice so that violence could be prevented. Fava developed an ethical conception of journalism and, by extension, of literature and theatre. ‘Where there’s truth’, Fava wrote, ‘justice can be done and freedom can be defended’. This article shows how Giuseppe Fava put his intellectual impegno into practice in order to provide the Sicilian public with a means of interpreting and understanding the mechanisms behind the Sicilian tragedy, and an incentive to take up their collective responsibility. In order to illustrate how Fava translated his journalistic and intellectual impegno into cultural actions (Freire, 1998a) of an emancipatory character, it focuses on his use of the criminal trial as a metaphor for his journalistic investigation into the ills of Sicilian society in his essay Processo alla Sicilia (1967), and as a narrative framework for the closing chapters of his novels Prima che vi uccidano (1976) and Passione di Michele (1980) and for his courtroom dramas La Violenza (1969) and Ultima Violenza (1983). It shows how, by literally co-opting the audience as jurors in the trial – a technique which is in many respects reminiscent of the methodologies for conscientisation developed by Paulo Freire and Augusto Boal – Fava stimulated the Sicilian public to pursue their own freedom and dignity through the creative and continuous transformation of their contextual reality.

Justice is a recurrent theme in the writings of Gianrico Carofiglio, in particular the novels and the essays. In these works, great attention is paid to how justice is delivered through the Italian legal processes, how it is conceived by those who are entrusted with its administration and how it is perceived by citizens. Through the analysis of a sample corpus, comprising two essays and two of the novels of the Guido Guerrieri cycle, this contribution examines a range of strategies used by the author to configure his vision of justice. A preliminary overview appears to suggest a pronounced difference between novels and essays with regard to the author’s own stance towards justice. Whilst the novels echo the nationally shared distrust for what is considered to be a system that is dysfunctional and that deserves to be critiqued and contested, the essays encourage readers to embrace a consensual, positive view of the principles of justice. The main contention in this contribution is that the apparently resigned portrayal of a flawed justice system found in the novels contains the same desire and points to the same social and ethical perspective as the essays. Through a reflection on the topoi that emerge in the texts, and through the analysis of their key themes and the observation of some of their linguistic features (including lexical frequency and distribution), this contribution brings to the fore the ideological, as well as stylistic coherence that exists between the two sets of texts.

Nella raccolta di racconti intitolata Giudici (2011) viene messo in scena – come recita la seconda di copertina – il percorso della giustizia italiana dall’Unità a oggi, attraverso le pagine più scottanti della storia del Paese: dalle origini della mafia alla strage di Bologna (1980); Giancarlo De Cataldo, Andrea Camilleri e Carlo Lucarelli costruiscono tre figure di giudici (il giudice Surra, la Bambina, il Procuratore d’Italia) accomunati dalla strenua volontà di credere che la giustizia sia possibile. Il presente contributo intende analizzare le strategie testuali attraverso le quali viene configurato il tema della giustizia nei tre racconti, soffermandosi sulle peculiarità dei singoli racconti e sulle analogie che li intersecano. Contestualmente l’intento è quello di mettere a fuoco il particolare coinvolgimento del lettore, e il sorprendente effetto risultante dall’integrazione narrativa tra i tre testi. La specificità dell’argomento e la natura sistemica della raccolta conferiscono infatti al succedersi dei testi un sottile e raffinato effetto performativo, teso cioè a produrre nel lettore una reazione non solo estetico-cognitiva, ma anche morale.

In conclusione al saggio Vergogna della poesia il poeta e critico Franco Fortini (1917‒1994) afferma che la caratteristica fondante della poesia non andrebbe tanto ricercata nel suo essere engagée, quanto nel suo essere engageante: è attorno a questo perno militante che si forma tutta la struttura letteraria dell’autore, notoriamente basata sul rapporto senza soluzione di continuità fra verità poetica e verità sociale. Ed è proprio a partire da questa idea che Fortini pone come condicio sine qua non della propria poesia le sue stesse e necessarie finalità militanti, storiche (e storicizzanti). Epigono di Brecht, sulla scorta delle letture di Benjamin l’autore arriva a formulare una poesia allegorica intesa come soluzione ai limiti insiti sia nel realismo che nel simbolismo. L’allegoria diviene il segno più tangibile della volontà sociale che soggiace alla poesia fortiniana, di cui è al tempo stesso strumento e climax stilistica. L’articolo offre un’analisi della struttura allegorica all’interno della raccolta Paesaggio con serpente, edita nel 1984, al fine di mettere in luce i tre aspetti fondamentali che fanno dell’allegoria uno strumento di verità: l’aspetto figurale, l’aspetto formale (l’allegoria come “forma vuota”) e l’aspetto dialettico.

Questo saggio muove dall’enfasi sul desiderio di fare giustizia nel ciclo dei vinti (2003–) di Giampaolo Pansa, inserito nel contesto del revisionismo storico di sinistra, contestato dall’autore che con esso giustifica il proprio. Si dimostra che Pansa rivendica la giustizia nei modi che sfiorano la vendetta, con un ritardo che lascia sospettare l’opportunismo politico e che degrada la storia della Resistenza italiana a crimine diffuso in attesa di giustizia. L’autore, che si definisce uno storico dilettante e trascura le fondamentali regole della storiografia (pronuncia giudizi di valore, adotta una prospettiva e studia le fonti e testimonianze solo di una parte, non elabora il passato ma vi cerca le ragioni del presente), fa della storia politica. Parte integrale della sua operazione è anche la preferenza per la forma romanzo di cui qui si propone un’analisi delle componenti strutturali, linguistiche e ideologiche come uno spunto per riflettere sulla scelta dei destinatari e per capire l’uso che l’autore fa del concetto di giustizia. Si rinvengono infine alcune avvisaglie di un ripensamento: l’autore – già passato dalla sinistra a posizioni di destra – sembra rivedere un’altra volta le sue ragioni e accettare che la guerra sia uno stato di eccezione, per cui non sono idonei né i criteri di giustizia sviluppati al tempo di pace né tanto meno le chiavi di lettura semplificate.

Il presente contributo propone l’analisi di Carlo Giuliani. Il ribelle di Genova di Francesco Barilli e Manuel De Carli (2011), che a dieci anni di distanza rielabora la memoria degli eventi del G8 2001 tramite quella della figura di Carlo Giuliani. Carlo Giuliani. Il ribelle di Genova, edito da BeccoGiallo, vuole essere una contronarrazione alla versione ufficiale dei fatti inscrivendosi nel sottogenere del docunovel, nel senso che si presenta come una narrazione grafica che si serve delle modalità di rappresentazione tipiche del documentario e della finzione. L’analisi del docunovel partirà dalla rappresentazione della figura di Carlo Giuliani la cui morte viene descritta come un evento tragico e traumatico tipico dell’ingiustizia che caratterizza la storia italiana contemporanea, ma che poi viene collegata ad altri eventi storici altrettanto traumatici. Si metteranno in rilievo le specificità contenutistiche e le strategie narratologiche del docunovel, ma anche l’importanza del fitto apparato paratestuale che iscrive la morte di Giuliani in un contesto storico prettamente italiano. La contestualizzazione porterà anche al confronto di Carlo Giuliani. Il ribelle di Genova con altre narrazioni fumettistiche nella misura in cui tutte sembrano rifarsi alla stessa iconografia. L’analisi del docunovel farà emergere le peculiarità del discorso commemorativo evocato dalla scomparsa di Carlo Giuliani e gli eventuali effetti performativi sul lettore.

Il presente articolo offre una lettura analitica del De interpretatione recta di Bruni, soffermandosi su quegli aspetti peculiari del testo che lo rendono il primo manuale di traduzione apparso in Occidente dopo le riflessioni di San Girolamo. Nel primo trentennio del Quattrocento, l'umanista aretino Leonardo Bruni compone questo trattato, e lo fa con una duplice finalità: se infatti l'opera, prima nel suo genere, codifica i canoni da seguire nel tradurre testi antichi, dall'altro essa mira a far tacere le aspre critiche di cui l'intellettuale era stato fatto oggetto per le sue traduzioni latine di Aristotele. Il tono di un tale sdegno certo non colpisce se calato nella temperie culturale del primo umanesimo fiorentino, ma appare talmente marcato da limitare il potenziale innovativo dell'opera del Bruni.

Soppesando debitamente meriti e limiti del trattato bruniano, questo articolo si propone di sottolineare la centralità del De interpretatione recta sia come manifesto intellettuale umanista che come opera pionieristica della grande filologia quattrocentesca italiana.

This article focuses on Elsa Morante’s last novel, Aracoeli (1982), as an interesting case study of representation of the mind as embodied. The argument begins by considering the ambiguous status of Manuele as narrator and suggests that his inability to distinguish between true and apocryphal memories should be regarded as a cognitive issue rather than a rhetorical one. The next stage of the argument explores the consequences of adopting a cognitive approach, thus foregrounding the embodied mind as one of the main foci of the narrative, both thematically and stylistically. Assuming a cognitive interpretive key, the central part of the article illustrates Morante’s complex portrayal of the dependence of the mind on the body and in particular on sensory perception, providing also a closer examination of the number of ways in which Morante articulates the body-mind nexus. For descriptive and heuristic purposes, these instances have been gathered into three main clusters: Embodied nature of emotions or feelings; Specificities of embodiment; and Embodied memory. Finally, I shall offer some suggestions as to how a cognitive reading of Aracoeli corroborates a non-nihilistic interpretation of the novel as expression of existential or literary defeat.

In Numero zero the main theme is lying. It is utilized as a sort of normative account of its epistemic implication foregrounding lying's problematization. Here Eco addresses the very duality of lying that is intertwined with the authenticity of language, and journalism is the ideal genre to tackle this problem. A lie is intrinsically linguistic and essentially semiotic because, at a material expression level and an immaterial content level, language violates the principle of non-contradiction since it is and it is not at the same time and in the same respect, due to the dualistic nature of signs that work toward the creation of meaning. It is because it is endowed with the ability to refer; it is not because it is never a true self, it lacks its own individuality. Thus, as a communicative/significative medium, language foresees and legitimizes the paradoxical duality between lie and truth insofar as it always requires the presence of the other; it requires the coexistence of the one (expression level) and the other (content level) to ultimately produce meaning. Numero zero sheds light on the hermeneutics of lies and fakes, and further gives a hint of the reverberations they produce in the world in which we live.

Fotografia, cinema, letteratura, arti visive, teatro: non c’è disciplina cui Anton Giulio Bragaglia (Frosinone 1890–Roma 1960) non si sia applicato, con spirito innovatore e inesauribile forza creativa. Il presente articolo ripercorre le prime esperienze teatrali di Bragaglia per poi concentrarsi sui suoi scritti teorici, con particolare riferimento agli articoli apparsi sulla rivista Comoedia tra il 1923 e il 1927. Ne emerge un insieme di considerazioni, ricerche, progetti personali e commenti tecnici di notevole interesse per la storia delle arti sceniche del Novecento.

This study identifies an allegorical representation of the polemic between vernacular poet Luigi Pulci and Neoplatonic philosopher Marsilio Ficino within Pulci’s epic poem Il Morgante. Pulci’s critique of Ficino’s cultural-philosophical program may be deduced from the treatment of flora and fauna in two equine scenes from Pulci’s masterpiece. Twice in the Morgante, Rinaldo’s charger Baiardo is commandeered: first by the benevolent wizard Malagigi in canto 5, and then by the devil-theologian Astarotte in canto 25. In canto 5, Malagigi respects nature’s limits as determined by God and delineated by Pulci in canto 24. In canto 25, Astarotte’s powers and his treatment of plant and beast trump nature’s limits. Astarotte’s oration of Ficino’s philosophy from the De Christiana religione facilitates an allegorical identification of Marsilio Ficino and Pulci’s critical voice. Through this allegorical reading, tangible examples are applied to abstract conflicting cultural-philosophical programs. The Pulci-Ficino polemic is a valuable lens through which one may further comprehend the cultural complexities of Laurentian Florence, a time and place at the forefront of the Italian Renaissance.

Il saggio si concentra sull’analisi del film Uomini contro (1970) di Francesco Rosi, analizzandolo nell’ottica lukácsiana dei concetti di totalità, tipico e realismo. L’autore intende dimostrare come Rosi, nella sua ‘rilettura’ di Un anno sull’altipiano di Emilio Lussu, abbia portato in gioco una peculiare interpretazione marxista tanto della Grande Guerra quanto del mezzo cinematografico come strumento adatto a fornire un’interpretazione di classe delle numerose relazioni sociali, politiche, economiche che attraversavano il Paese al tempo. Si dimostra poi come Rosi abbia inoltre connesso l’interpretazione dell’evento storico determinato ad una più generale lettura incentrata sugli effetti del primo conflitto mondiale sia nel rapporto di questo con l’Italia del primo ’900, sia con gli sviluppo storici (in particolare il Fascismo) successivi. Rispetto al libro di Lussu, il film di Rosi si caratterizzerebbe dunque non tanto per il suo essere uno riscrittura ‘attualizzante’ (sullo sfondo del ’68 e della guerra in Vietnam) di Un anno sull’altipiano, ma una riscrittura tesa a esaminare il conflitto mondiale (e le interpretazioni ideologiche di questo, Lussu compreso) tanto nell’ottica dialettica del momento storico determinato (rapporto della Grande Guerra con le necessità industriali italiane, ruolo degli intellettuali interventisti, crollo dell’Internazionale socialista, ecc.), quanto momento cardine degli sviluppi successivi del conflitto di classe.

The article considers primarily Montale’s fourth book, Satura (1971), and interrogates the connections between the new direction of Montale’s poetry and the scientific and philosophical trends of the 1950s and 1960s. To describe Montale’s late work as postmodernist is to measure the self-conscious distancing of his poetics from the writing of the first three volumes: the poetic voice of Satura explores the dialectic relationship between modern and postmodern. The common postmodernist annulments – the end of ideology, the end of history, the end of authorial presence, the distinction between high and low culture – all play a role in Satura’s composition. The article includes a discussion of Cesare Vasoli’s Tra cultura e ideologia as an important source to explain Montale’s suspension of poetic output as a symptom of the political and philosophical disillusionment he experienced during the years of the reconstruction and the economic boom. Using the latter text as a guide, the article analyzes one of the most hermeneutically complex poems of Satura, ‘Dialogo’.

Umberto Eco loved analogies, was an artist of the déjà-vu and a great bricoleur in architecting a pastiche of genre and a collage of intertextual anxieties of influences. I begin with his inspiration from one of his favorite and most influential writers, James Joyce, and will close with the influence of his all-time favorite movie, Casablanca. Eco’s remarkable study of Joyce’s works appeared in the first edition of Opera aperta. The influence of this meticulous analysis of puns, riddles, metonymy, and interactive metaphors resurfaces with his encyclopedic knowledge in The Name of the Rose. My argument is that Eco, keeping the famous Irish writer in mind, structured his own novels as dynamic epistemological metaphors. In addition to the skillful use of parodies, irony, puns, metaphors, erudition, semiosis, details, and comic relief, The Name of the Rose reveals many of Eco’s narrative strategies. Socratic dialogues, intertextual frames, citations, palimpsests, and chains of associations are at the center of his possible world of fiction where History and stories intertwine. From the cult movie Casablanca Eco learned how an intertextual collage of clichés was used constructively: “two clichés make us laugh, but a hundred clichés move us because we sense dimly that the clichés are talking among themselves and celebrating a reunion.” In The Rose we encounter clichés, archetypes, and familiar quotations that with Eco’s encyclopedic knowledge contribute to making his first hybrid cognitive narrative an excellent example of docere et delectare.

La discussione del volume degli Atti del convegno, svoltosi tra Napoli e Vico Equense nell’ottobre 2015 e dedicato a Giovan Battista della Porta, è volta in primo luogo ad illustrare tutti gli aspetti della fervida attività dell’autore vicano, ma anche a ricostruire, sebbene sinteticamente, il contesto storico, sociopolitico e culturale in cui questa si espresse, mediante una costante attenzione tanto alle fonti quanto alla tradizione ecdotica dei testi dellaportiani.